APA ITU KREATIVITI?

DEFINISI KREATIVITI

Kreativiti merupakan anugerah tuhan kepada semua tetapi kita abaikannya. Kreativiti adalah penting dalam apa sahaja yang kita lakukan seperti hiasan, persolekan, jamuan perniagaan dan lain-lain. Kita boleh belajar berfikiran kreatif melalui pemerhatian dan boleh menerangkannya. Kita berfikir luar dari kotak pemikiran yang biasa. Adakah cara kita bertanya untuk boleh menjadikan seseorang itu berfikiran kreatif? Cara kita bertanya boleh menukarkan cara kita berfikir (mindset). Ia mengajar kita bagaimana sesuatu input (sama ada rangsangan deria atau maklumat) dapat diterangkan dan terbentuk dalam imageri dan minda seseorang untuk menerima maklumat.Beberapa orang bijak pandai dalam bidang ini telah berjaya menukar gaya berfikir pendidik tentang kreativiti. Salah seorang daripadanya ialah John Dewitt. Beliau telah berjaya menyedarkan para pendidik bahawa kita semua mempunyai daya pemikiran yang kreatif. Walau bagaimana pun perlu diingat bahawa aspek kreativiti sahaja tidak mencukupi. Sumber kreativiti berada di hadapan kita. Kita hanya perlu tekun memerhati untuk mengenalinya. Kadang-kala sumber kreativiti berada di belakang kita. Apa yang perlu kita buat ialah hanya menoleh ke belakang sahaja.

Kreativiti mempunyai tahapnya tersendiri dan bergantung kepada rangsangan yang berbeza yang kita terima dalam kehidupan kita (Hopkins, 1937 dalam Mohd Azhar Abd. Hamid, 2001). Darjah kreativiti juga bergantung kepada perkembangan perwatakan individu. Sumber kreativiti ada disekeliling kita. Ada antaranya sudah menjadi sebahagian daripada kehidupan kita (Fomm, 1959 dalam Mohd Azhar Abd. Hamid, 2001). Mengapa kita gunakan kreativiti orang lain sedangkan kita mempunyainya? Adakah anda sukakan subjek Sains? Sastera? Sejarah? Drama? Cerita Rekaan? Terdapat banyak subjek yang boleh disesuaikan untuk memberi kesan yang istimewa khususnya dalam bidang kita sebagai pensyarah iaitu untuk mewujudkan pengajaran dan pembelajaran yang berkesan. Bagaimana pula dengan pengalaman kehidupan? Pernahkah berlaku sesuatu perkara dalam kehidupan kita yang pelik, menggelikan atau mencuit hati? Cerita-cerita yang menyentuh hati dan perasaan melalui bacaan boleh memberi kesan mendalam ke atas pemikiran kreatif kita. Mungkin kita boleh menggunakan cerita yang melucukan ini dalam pengajaran dan pembelajaran supaya ia menjadi lebih berkesan lagi.

Sebagai manusia, kita biasanya lebih selesa dengan mengekalkan amalan pemikiran yang rutin. Untuk menjadi kreatif, sifat ini perlu dikikis untuk menghasilkan karya yang baru melalui sumber-sumber di sekeliling kita. (Rogers, 1959 dalam Mohd Azhar Abd. Hamid, 2001). Pengalaman kehidupan ahli keluarga boleh dijadikan sumber rangsangan kreativiti. Ibu bapa, sepupu, rakan-rakan dan lain-lain mempunyai cerita yang menarik bagi mewujudkan pemikiran yang kreatif. Mungkin kita telah mendengarnya berkali-kali tetapi kurang menjadikannya sesuatu yang boleh diadaptasikan sebagai bahan untuk mewujudkan pengajaran dan pembelajaran yang berkesan atau dijadikan satu rutin. Dalam teori ‘pemikiran gila-gila’ oleh William Balake, dalam Mohd. Yusof (1995) idea baru atau celik akal berlaku dengan cara imaginasi dan bukan menerusi proses logik atau rasional. Beliau menganggap bahawa berlakunya pertarungan unsur-unsur yang bertentangan dalam minda akan membentuk pertarungan mental. Pertarungan ini akhirnya akan menghasilkan perdamaian dan suasana harmoni yang positif yang menghasilkan krfeativiti. Salah satu daripada sumber kreativiti ialah merujuk kepada kepakaran seseorang. Banyak buku yang boleh memberi sumber pemikiran yang kreatif yang tidak boleh dibayangkan banyaknya.

Oleh yang demikian kreativiti tidak boleh dipaksa. Kita memerlukan ketenangan dalam mencari idea yang kreatif. Sekiranya kita dalam keadaan tertekan disebabkan kita terpaksa membentangkan sesuatu dalam jangka masa yang pendek kita mungkin akan gagal. Dengan beberapa pengecualian, kreativiti boleh terhasil dalam keadaan kita tertekan dan menghasilkan sesuatu yang baik. Dari itu sentiasalah menulis sesuatu idea apabila terfikirkannya walaupun terjaga di tengah malam dari tidur. Jangan kita fikirkan bahawa anda akan ingat sehingga esoknya jika tidak menulisnya. Sekiranya anda tidak mencatatnya anda akan lupa. Fikiran kreatif boleh datang pada bila-bila masa. Dari itu kita perlu sentiasa bersedia. Confucius pernah berkata bahawa dakwat yang tidak terang adalah lebih baik dari fikiran yang tajam. Sebagai manusia biasa kita yang tidak dikurniakan dengan kreativiti dan bakat yang tinggi. Kita perlulah bekerja keras untuk mencapai kreativiti tahap ini untuk mendapat hasilnya (Maslow, 1959 dalam Mohd Azhar Abd. Hamid, 2001). Walau bagaimanapun kita hidup dalam dunia yang perlu diberikan kepuasan segera (instant gratification). Keadaan ini akan menjadi lebih ‘teruk’ lagi jika kita berkehendakkan sesuatu itu dengan percuma dan segera. Pada hakikatnya ini bukanlah cara yang sesuai dan efektif.

Terdapat berbagai tahap kreativiti. Kreativiti tahap tinggi boleh membentuk sesuatu yang baru dari yang lama. Sebagai contoh pergerakan tangan yang lincah dalam silap mata, prinsip menyembunyikan sesuatu, kaedah mengubaharah dan lain-lain merupakan alat untuk dimanipulasikan melalui kreativiti. Gabungan dari perkara ini merupakan satu idea dan kita akan menjadi lebih kreatif dalam silap mata. Justeru itu, kemahiran ini dapat diaplikasikan dalam pengajaran dan pembelajaran supaya menjadi lebih menarik. Perkara ini bukanlah mudah untuk dilakukan. Kreativiti dalam tahap ini sebenarnya datang dari pemerolehan pengetahuan melalui susunan, urutan asas untuk membentuk sesuatu yang baru. Sesiapa yang membentuk kemahiran ini mempunyai taakulan yang kreatif. Kreativiti merupakan kombinasi jumlah pengalaman saya sebagai pensyarah bukan sahaja mengajar tetapi juga melalui pendengaran, pemerolehan pengetahuan saya.

Kreativiti dalam diri individu itu sentiasa berkembang sekiranya individu itu mahukannya berlaku dan menjadikannya sebagai satu gaya hidup (Rogers, 1959 dalam Mohd Azhar Abd. Hamid, 2001). Dalam bidang pendidikan ‘pengetahuan sintesis’ merupakan pengetahuan yang diperoleh secara separa sedar yang diaplikasikan dalam setiap situasi yang dianggap berguna bagi orang lain. (Plesk, 1997) Kreativiti yang sebenar dalam keadaan apa pun adalah berdasarkan sintesis pengetahuan yang diaplikasikan dalam situasi baru atau pemasalahan. Ini merupakan langkah akhir dalam perkembangan individu dan berkembang melalui penggunaannya dan akan hancur sekiranya dibiarkan begitu sahaja.

BIDANG DALAM SENI VISUAL....

 1)  Terdapat  beberapa bidang dalam seni visual iaitu :

• asas seni reka
• komunikasi visual
• seni halus
• reka bentuk
• kraf tradisional

2)  bagi asas seni reka ,unsur seni yang boleh didedahkan iaitu :

• unsur seni reka - merangkumi garisan,rupa,bentuk,jalinan,warna dan ruang.
• prinsip rekaan - merangkumi harmoni,penegasan,imbangan,kontra,irama dan pergerakan,kepelbagaian  dan juga kesatuan.

3)  Bagi komunikasi visual pula terdapat beberapa pecahan iaitu :

• grafik
• simbol dan logo - reka bentuk grafik yang diringkaskan daripada bentuk alam semula jadi atau alam benda
• iklan - merupakan konsep grafik persekitaran yang terdapat di sekeliling kita untuk menarik perhatian masyarakat
• risalah - reka bentuk grafik yang memberi penerangan dan maklumat tentang sesuatu produk berkaitan dengan promosi,pengiklanan,dan penerangan.
• pembungkusan - merupakan bekas yang digunakan untik melindungi dan menjaga kualiti sesuatu barangan.
• kaligrafi dah khat - berasal dari perkataan Yunani,iaitu Kalios yang bermaksud tulisan yang indah dan cantik.

3)  Dalam seni halus pula terdapat 4  bidang iaitu :

• lukisan - ialah hasil seni visual yang bermula daripada penghasilan garisan yang membentuk imej 2 dimensi. ia didominasikan dengan menggunakan media kering seperti pensil,arang,pen mata bola dan lain2.
• catan - proses mewarna menggunakan bahantara warna seperti cat air,cat akrilik,cat minyak dan sebagainya diatas permukaan rata seperti kanvas,kertas dan lain2.
• arca - berasal dari perkataan latin iaitu Sculpere yang bermaksud proses mengukir,menebuk,memotong dan melarik serta menggores.
• cetakan - ialah proses terapan blok(plat) ke atas permukaan seperti kertas,kain,plastik,atau bahan2 lain.

4)  kraf tradisional  dapat ditonjolkan dalam 2 bahan iaitu :

• batik - bermaksud titik dalam bahasa melaytu dan bermaksud setitik lilin dalam bahasa jawa..dihasilkan melalui proses penerapan lilin dan pencelupan warna ke atas kain putih.
• tenunan - bermaksud proses menyilang benang secara selang seli hingga menjadi kain.tenunan dihasilkan melalui sejenis alat iaitu dikenali sebagai kek tenun.

PANOFSKY

Biography

Erwin Panofsky was born in Hanover, Germany. He studied at the universities of Berlin, Munich, and Freiburg, receiving his Ph.D. in 1914 from the University of Freiburg. His academic career in art history took him to the universities of Berlin, Munich, and finally to Hamburg, where he taught from 1920 to 1933. It was during this period when his first major writings on art history began to appear. A significant early work was Idea: Ein Beitrag zur Begriffsgeschichte der älteren Kunstheorie (1924; translated into English as Idea: A Concept in Art Theory).

Panofsky first came to the United States in 1931 to teach at New York University. Although initially allowed to spend alternate terms in Hamburg and New York, after the Nazis came to power in Germany his appointment in Hamburg was terminated, and he remained permanently in the United States with his wife, Pandora Mosse. By 1934 he was teaching concurrently at New York University and Princeton University. In 1935, he was invited to join the faculty of the newly formed Institute for Advanced Study in Princeton.

Panofsky was a member of the American Academy of Arts and Sciences, the British Academy and a number of other national academies. In 1962 he received the Haskins Medal of The Medieval Academy of America. In 1947-1948 Panofsky was the Charles Eliot Norton professor at Harvard University.

Panofsky became particularly well-known for his studies of symbols and iconography within works of art. First in a 1934 article, then in his Early Netherlandish Painting, Panofsky is the first to interpret Jan van Eyck's Arnolfini Portrait (London, National Gallery) as not only a depiction of a wedding ceremony, but also a visual contract testifying to the act of marriage. Panofsky identifies a plethora of hidden symbols that all point to the sacrament of marriage. In recent years, this conclusion has been challenged. And yet, Panofsky's work with what he called "hidden" or "disguised" symbolism are still very much influential in the study and understanding of Northern Renaissance Art.

Panofsky was known to be friends with Wolfgang Pauli, one of the main contributors to quantum physics and atomic theory, as well as Albert Einstein. His son, Wolfgang K. H. Panofsky, became a renowned physicist who specialized in particle accelerators. His other son was a meteorologist. As Wolfgang Panofsky related, their father used to call his sons "meine beiden Klempner" (German: "my two plumbers"), which revealed the usual attitude of the German elite educated in the humanities, who looked down upon those trained in the sciences.

Three Strata of Subject Matter or Meaning

In his 1939 work Studies in Iconology, (also published in various later redactions) Panofsky details his idea of three levels of art-historical understanding ^[1]:

• Primary or Natural Subject Matter: The most basic level of understanding, this stratum consists of perception of the work’s pure form. Take, for example, a painting of The Last Supper. If we stopped at this first stratum, such a picture could only be perceived as a painting of 13 men seated at a table. This first level is the most basic understanding of a work, devoid of any added cultural knowledge.

• Secondary or Conventional subject matter (Iconography): This stratum goes a step further and brings to the equation cultural and iconographic knowledge. For example, a western viewer would understand that the painting of 13 men around a table would represent The Last Supper. Similarly, seeing a representation of a haloed man with a lion could be interpreted as a depiction of St. Jerome.

• Tertiary or Intrinsic Meaning or Content (Iconology): This level takes into account personal, technical, and cultural history into the understanding of a work. It looks at art not as an isolated incident, but as the product of a historical environment. Working in this stratum, the art historian can ask questions like “why did the artist choose to represent The Last Supper in this way?” or “Why was St. Jerome such an important saint to the patron of this work?” Essentially, this last stratum is a synthesis; it is the art historian asking "what does it all mean?"

For Panofsky, it was important to consider all three strata as one examines Renaissance art. Irving Lavin says, "it was this insistence on, and search for, meaning—especially in places where no one suspected there was any—that led Panofsky to understand art, as no previous historian had, as an intellectual endeavor on a par with the traditional liberal arts.^[2]

Influence

His work has greatly influenced the theory of taste developed by French sociologist Pierre Bourdieu, in books such as The Rules of Art or Distinction. In particular, Bourdieu first adapted his notion of habitus from Panofsky's Gothic Architecture and Scholasticism.^[3]

Works

• Idea: A Concept in Art Theory (1924)
• Perspective as Symbolic Form (1927)
• Studies in Iconology (1939)
• The Life and Art of Albrecht Dürer (1943)
• Gothic Architecture and Scholasticism (1951)
• Early Netherlandish Painting (1953)
• Meaning in the Visual Arts (1955)
• Pandora's Box: the Changing Aspects of a Mythical Symbol (1956) (with Dora Panofsky)
• Renaissance and Renascences in Western Art (1960)
• Tomb Sculpture (1964)
• Problems in Titian, mostly iconographic (1969)

References

• Holly, Michael Ann, Panofsky and the Foundations of Art History, Ithaca, Cornell University Press, (1985)
• Ferretti, Sylvia, Cassirer, Panofsky, Warburg: Symbol, Art, and History, New Haven, Yale University Press, (1989)
• Lavin, Irving, editor, Meaning in the Visual Arts: View from the Outside. A Centennial Commemoration of Erwin Panofsky (1892–1968), Princeton, Institute for Advanced Study, (1995)

IKONOGRAFI

Dalam menghayati sesebuah karya seni dua elemen iaitu "formalistik" dan "ikonografi" ataupun konsep yang lebih mudah disebut yakni "bentuk" dan "isi" yang juga kebiasaannya dikenali sebagai "aturan dan makna"(Mulyadi Mahmood,1993). Kedua-duanya saling bersatu bagi membentuk sesebuah karya seni dan ianya saling menyokong.Contohnya pada seni catan, ciri-ciri formalistik aturan merangkumi elemen-elemen warna,ton, bentuk, rupa, perspektif, ruang, satah, garisan, rentak,pergerakan,jalinan, isipadu,komposisi,sapuan berus, cahaya bayang dan sebagainya.
Keupayaan menganalisa atau mengenali ciri-ciri formalistik ini akan mendekatkan kita pada persoalan ikonografi atau makna sesebuah karya.Persoalan-persoalan biasanya berkisar pada bidang kesusasteraan, sosiologi,teologi,politik,psikologi, estetika, sejarah,kepercayaan dan seumpamanya(sekadar mengkelas beberapa bidang ilmu).Ciri-ciri formalistik sedapat mungkin membuka ruang kefahaman di tahap ikonografi atau makna dalam sesebuah karya. Pemahaman terhadap aspek-aspek formalistik ini amat perlu dalam usaha kita mengenal, memahami dan menghasilkan karya seni.